Вторник, 11 апреля 2017 08:10

Щукин: возвращение

Имя Сергея Ивановича Щукина - богатейшего русского текстильного магната и прославленного коллекционера - сегодня мир ценителей искусства открывает заново. После революции 1917-го эмигрировавшего из России Щукина быстро забыли, как, впрочем, и его братьев (тоже крупных коллекционеров), хотя их собрания, доставшиеся Советской России, составили основные фонды знаменитых российских музеев.

Опубликовано в Статья
Среда, 17 февраля 2016 12:35

Эмансипация привлекательна

«Быть женщиной - великий шаг.
Сводить с ума - геройство!»

Борис Пастернак 
В череде мирных революций, захвативших европейское общество на рубеже XIX и XX столетий, было и кардинальное изменение точки зрения на роль, отведенную женщине в этом мире. Из «предмета домашнего обихода» женщины стали превращаться в полноценных членов социума, обретать новые позиции в общественной жизни, науке, культуре. Первый всемирный женский конгресс, впервые женщине вручили Нобелевскую премию. Женщины делают научные открытия, создают произведения искусства, пишут «не женские» романы. И совершенно не отказываются от веками предназначенной им до этого роли жены и матери. Ну а как реагировал на это фантастическое превращение противоположный пол?

Опубликовано в Статья
Пятница, 04 декабря 2015 12:05

Нематериальный материалист

«Каждому времени - свое Искусство.
Каждому Искусству - свобода»
Надпись на доме Венского сецессиона

Мы быстро привыкли к тому, что информация почти обо всем на свете помещается на крошечной флешке. А всего 39 лет назад в Париже хотели построить 343-метровую башню, которая суммировала бы внутри своего сложного многогранного пространства всю информацию о столице Франции. Проект разработал художник Николя Шеффер (Nicolas Schöffer). Поддерживало грандиозную идею правительство страны, в первую очередь президент Жорж Помпиду. Художники - это пророки, провидцы, предвестники будущего, не важно, в какой области прекрасного они нашли язык выражения своих невероятных на момент озарения идей. Действительность же нередко потом превосходит их первоначальные эскизы будущего. Но кроме воспоминания о пророчестве остается нетленное - замечательные произведения. Нам ведь и сейчас интересно читать Жюля Верна, смотреть «Звездные войны», жить в домах Корбюзье и Хундервассера! В выставочном зале Будапешта «Мючарнок» сейчас открыта ретроспективная выставка художника, архитектора, хореографа, скульптора, ученого Николя Шеффера.

Он родился в 1912 году в городе Калоча (Венгрия). В 1931-м Миклош Шеффер окончил Будапештскую академию художеств. А через 4 года, как большинство молодых художников своего времени, отправился покорять столицу искусств. Париж стал его новой родиной. Только во время оккупации города немцами он уедет из Парижа. Но потом снова вернется.
В 1948 году Николя прочтет книгу основоположника кибернетики Норберта Винера. И творческий путь мастера определится до конца жизни. Николя Шеффер разрабатывает свою теорию соединения света, движения, пространства. Спатиодинамизм - прямое продолжений идей кибернетики. В 1949-м Николя создает свою первую скульптуру в новом стиле, новом видении.

В первом зале представлены работы 50-х годов прошлого века. А у зрителя на выставке появляется ощущение, что все это создано сегодня с грандиозной перспективой на будущее. И надписи на стенах, предупреждающие, что технические устройства - вращающие, освещающие эти гармоничные авангардные скульптуры, сделаны полвека назад, воспринимаются как нонсенс. Это похоже на живопись в пространстве, где вместо масляных красок или пастели маэстро пишет светом.

В следующем зале фотографии и видеозапись: известные кибернетические танцы, выполняемые танцорами-роботами, сделаны фирмой «Филипс». А между ними и вместе с ними двигаются живые актеры балета в хореографии самого Мориса Бежара. Впервые этот уникальный спектакль был поставлен на крыше «Солнечного города» Ле Корбюзье в Марселе в рамках Авангардного фестиваля искусств.
Новый зал и новая экспозиция «Шеффер - архитектор». Шеффер считал, что ХХ век имеет такое же право на свою башню, как и XIX, подаривший миру символ технического прогресса своего времени - Эйфелеву башню. В зале представлен и проект амбициозного сооружения, которое новый президент Жискар д'Эcтен посчитал все же слишком дорогостоящим, впрочем, как и другие необычные и очень гармоничные мечты Николя Шеффера. Например, Кибернетический город, где динамично, в разумном движении существуют и жители и их дома, где комфортно меняется температура, свет. Может быть, это город будущего?

Свет и тень, звуковые эффекты - все входит в «палитру» его произведений. Очень интересные работы, созданные в помощь больным эпилепсией. Медитация в движущейся гамме отражения световой мозаики. Здесь Шеффер работал вместе с врачами психиатрической клиники, которые могли определить реальные возможности нового метода, исходя из главного принципа - «не навреди!».

На экране телевизора идет показ тех произведений Николя Шеффера, которые он написал до 1948 года. И только за год до смерти показал их своей жене. Сейчас они в собрании Элеоноры Шеффер. Красивая живопись. Абстракция, сюрреалистические фантазии...
Впервые после эмиграции Шеффер приехал в Венгрию в 1977 году. Через 3 года в его родном городе Калоча откроют его музей. А вот сейчас в главном выставочном зале Будапешта ретроспективная выставка художника, который называл себя нематериальным материалистом.

В «Мючарноке» в настоящее время нас приглашают сразу на 4 выставки венгерских художников. Все они, безусловно, заслуживают внимания. Но в Год Света, может быть, стоит начать путешествие по выставочному комплексу с экспозиции произведений художника, который так мастерски владел всеми градациями световых возможностей.
А 21 января 2016 года в «Мючарноке» День Николя Шеффера!
Екатерина ВЕРЕШ

 

Опубликовано в Статья
Воскресенье, 15 ноября 2015 10:34

Фриз жизни

«Я не верю в такое искусство, которым не движет человеческое желание открыть свое сердце.

Все виды искусства, включая литературу и музыку, создаются кровью сердца художника.

Искусство - это кровь чьего-то сердца».
Эдвард Мунк

 

Венская «Альбертина» приглашает нас в ноябре-декабре на выставку одного из самых эмоциональных художников двадцатого столетия Эдварда Мунка.

Он родился в 1863 году в Лоттене (Норвегия). В пять лет пережил первую трагедию жизни. Мама умерла от пневмонии, оставив четверых детей на отца - военного врача.

Эдвард поступил в университет, собираясь освоить полезную для общества профессию инженера. Но через год бросил университет и поступил в Академию художеств в Кристиании (сейчас Осло). Затем, что было абсолютно естественно для молодых европейских художников конца XIX века, переехал в Париж, чтобы подражать импрессионистам.

Впрочем, с самого начала творческого пути Мунк вырабатывает свой почерк в живописи, не похожий на самом деле ни на импрессионистов, ни на символистов, ни на экспрессионистов. Это течения, к которым современные искусствоведы относят творчество норвежского мастера, занявшего почетное место в главе истории искусств о наиболее известных представителях модернизма.

Ему было 23 года, когда разразился первый скандал на выставке перед его произведением. Критика наотрез отказалась принять философию молодого художника в картине «Больной ребенок». Вместо патриархальной сентиментальности на привычную тему зрители неожиданно увидели жесткую правду, трагедию маленького одинокого больного существа.

Потом Эдвард Мунк привыкнет к подобной реакции, которая будет повторяться на многих его выставках в Берлине, Париже, Скандинавии.
«Я пишу не то, что вижу, а то, что видел», - попытается он объяснить в одном из своих памфлетов из грандиозного трактата «Фриз жизни», который он пишет всю жизнь. Он «передумывал», анализировал все, с чем соприкасалась его душа. И потом языком страсти, страданий, сопереживаний выписывал это в своих произведениях.

В 1895 году Эдвард Мунк напишет свой знаменитый «Крик», ставший иконой экспрессионизма. Тогда же у него начинается трудный, болезненный роман с замужней женщиной, намного старше него: «Она так глубоко вошла в мою душу, что никто другой не смог ее убрать оттуда!»
Его друзья в Берлине и Норвегии - драматург Стриндберг, писатель Пржибышевский - такие же неистовые искатели истины, как и Мунк.

Они изучают все, что скрыто от среднего человека кулисами повседневности, увлекаются произведениями ментальных больных, добираясь до бесконечных глубин нашего подсознания. После разгромной выставки современного искусства, когда с легкой руки Адольфа Гитлера оно было объявлено дегенеративным, Мунк навсегда уезжает в Норвегию. А когда его родина была оккупирована немцами, он вообще отказывается от живописи, не желая сотрудничать с нацистами. Эдвард Мунк умер в 80 лет от пневмонии, оставив нам в наследство 1100 картин, 4500 рисунков, 18 000 гравюр.

Когда-то один очень мудрый человек мечтал создать прозрачный стеклянный лабиринт, в котором люди ходят параллельно друг другу. Они видят друг друга, но не слышат. Эдакая модель нашего сосуществования в этом мире. Об этом вечном одиночестве и написана кровью сердца поэма в графических стихах Эдварда Мунка, уже полвека притягивающая к себе внимание миллионов желающих приблизиться если не к друг другу, то хотя бы к признанию этой печальной составляющей нашего мироздания.

Екатерина ВЕРЕШ

Опубликовано в Статья
Понедельник, 10 августа 2015 06:16

Четверть века спустя

А кажется, это было почти вчера... Из рядовой поездки по обмену студентами в Будапешт вернулась юная Агнеш Ф. Хорват, влюбленная навечно в феерический ураган приключений авангардной жизни Петербурга.
На волне перестройки родилась предсказуемая революционная смена взглядов на задачи искусства. У художников появилась возможность открыто высказать зрителю то, что они хотят, не оглядываясь на официальную идеологию. Появились новые творческие союзы. Одним из них стала творческая студия «Новые из Петербурга».
Западный мир до перестройки был знаком с советским авангардом, основное направление которого концентрировалось на критике существующего строя - справедливая, резкая ирония, самоирония, даже цинизм. Естественное отрицание в художественном языке навязанного соцреализмом. Отражение мира людей униженных, ничтожных. Безнадежность, депрессия... И вдруг совершенно неожиданный поворот, призыв вспомнить, что не бывает абсолютно черных красок в любой градации. «Новые из Петербурга» дарят зрителю Аркадию вместо Ада, демонстрируют здоровую силу вместо привычного мазохизма и уродливых болезней души. Их картины созданы с иронией, но вполне доброжелательной, оптимистичной. Ведь смеяться можно без злости, красиво, заразительно. Такой смех тоже учит, только не напрягая, не вызывая чувство хронической депрессии.
Агнеш совершила невозможное. В период непростых политических отношений Востока-Запада в Будапеште 25 лет назад в главном выставочном зале страны «Мючарнок» открыли выставку «Новые из Петербурга» во многом благодаря энтузиазму и фантастической энергии венгерской студентки.
Сейчас, четверть века спустя они снова в венгерской столице. Правда, теперь это уже Новая академия из Петербурга. На открытии выставки «Абсолютная красота» в музее современного искусства Людвига выступали госсекретарь Венгрии, директор музея, писатели, искусствоведы. В конференц-зале было не протолкнуться. И это летом, когда половина жителей Будапешта в отпуске!
«Новые из Петербурга» появились на платформе ленинградского андеграунда, альтернативного искусства, диссидентских движений. Лидером, идеологом, главным героем движения был Тимур Новиков (1958 -2002). Его взгляд на современное искусство стал основой философии отдельного художественного направления в городе на Неве: «Одной из главных заслуг модернизма можно считать уничтожение единого комплекса представлений о прекрасном в европейской культуре. Откопанные и возрожденные Ренессансом венеры и аполлоны ныне спят в хрустальных гробах музеев непробудным сном. Их бы снова открыть, да как? Движение за неоакадемизм - жалкая попытка «зеленых от культуры». Шайкой пигмалионов рыщут по музеям, роют библиотеки, носятся по стадионам, высиживают в театрах. Ищут красоту. А красоты у нас сколько хочешь. Еще осталось».
И еще: «Петербург - твердыня классики, возвышающаяся в море современного искусства, плещущего вокруг. Я как петербургский художник много уделял внимания всевозможным традициям современного искусства. Учился у русских футуристов, американских поп-артистов, французских деятелей культуры. В конце концов осознал, что защита классического наследия и есть для меня та самая твердыня, возвышенная задача, которой я могу служить».
Тимур Новиков в своих произведениях реально преображал вещи обыденные, придавая им почти сакральное значение. Да, так делают, так творят практически все художники Новой академии. Константин Гончаров, Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Олег Котельников, Сергей Вихарев, Юлия Страусова, Ольга Тобрелиутс, Белла Матвеева, Олег Маслов, Виктор Кузнецов, Айдан Салахова, Ирена Кукссейнайте, Наталия Жерновская, Андрей Хлобыстин, Андрей Медведев, Егор Остров, Станислав Макаров, Илья Архипенко, Михаил Розанов, Алексей Беляев и другие. Каждый со своим почерком, индивидуальным подходом к миру отображаемому, но в рамках принципов Академии. Их работы созвучны с прекрасным городом, который практически весь построен в стиле неоклассицизма.
Наш мир действительно устал от бесконечных попыток найти новый язык художественного выражения. Все чаще слышны призывы к возвращению академизма в изобразительном искусстве, театре, литературе. Только этот новый виток спирали развития не должен быть точным повторением предыдущих. Иначе это будет очередная копия, а не настоящее произведение. Петербургские художники смогли найти свою нишу, создать свое направление, непохожее, но вполне академическое.
Да, все мы знаем, что абсолютная красота не существует, но это и пафосно - в ироничном названии заложена не только веселая ирония, но и призыв к вечному поиску Красоты. И во все времена на всех континентах художники этим занимались. Кто-то создавал аполлонов, кто-то «Черный квадрат».
А кто-то Новую академию, выставка которой открыта сейчас в музее Людвига. И, безусловно, является серьезным событием в культурной жизни Будапешта.
Спасибо директору Юлии Фабени, коллекционерам из Екатеринбурга Алле и Виктору Лощенко, бессменному куратору и другу Новой академии Агнеш Ф. Хорват и замечательным, талантливым художникам из Петербурга!
Екатерина ВЕРЕШ

 

Опубликовано в Статья
Пятница, 03 июля 2015 07:49

Венгерская рапсодия Вазарели

Художник создавал «музыку» в пространстве линиями, цветом, светом.
Стоит сказать: «венгерская» - и слово «рапсодия» всплывает само собой. Венгерские рапсодии Ференца Листа - сокровище мировой и венгерской музыкальной культуры. Автор произведений, представленных сейчас екатеринбуржцам, музыку не сочинял, родился через 20 лет после смерти Листа, но он тоже из тех великих венгров, без которых немыслимо искусство ХХ века. Он тоже был виртуозом, работал не звуками-нотами, а линиями. Создавал не мелодии, а оптические иллюзии светом и цветом. Те, кто изучает творчество Виктора Вазарели, отмечают музыкальность его работ - ритм, особый темперированный строй, модуляции… Именно это и привлекло в свое время и навсегда очаровало в произведениях Вазарели чету венгерских музыкантов Чепеи.
19 июня, в день открытия вернисажа в Екатеринбурге в Музее архитектуры и дизайна Уральской государственной архитектурно-художественной академии, выставку «Оптические пространства Виктора Вазарели» представила сама Кати Чепеи. Она владелица этой коллекции произведений Вазарели и куратор российско-венгерского проекта. Понимать друг друга нам помогала Ольга Урасинова. Куратор проектов московского Центра культуры при посольстве Венгрии в России взяла на себя функции переводчика.
Создатель 3D на плоском пространстве холста, листа, стены без сегодняшних цифровых технологий - только мастерством и вдохновением новатора, Виктор Вазарели (1906 - 1997 гг.) родился в Венгрии. Жил в венгерском городе Печ, учился в Будапеште, сначала в университете на факультете медицины, затем в двух художественных академиях. После первой успешной выставки в Париже переехал во Францию, где всю жизнь работал и закончил свой земной и творческий путь. Поэтому его часто именуют французским художником, графиком, скульптором венгерского происхождения. Соотечественники же Вазарели, с которыми мы беседовали на пресс-конференции и на екатеринбургском вернисаже, предпочитают другую формулировку: венгерский художник, работавший во Франции. Часть своего творческого наследия Виктор Вазарели подарил венгерской родине - в 1976 году в Пече был открыт музей. В Будапеште тоже имеется «оптическое» музейное собрание. Его произведения находятся во всех крупных музеях современного искусства в Европе и США. Теперь и екатеринбургская публика побывает в его магических пространствах.
Куратор российско-венгерского проекта, коллекционер Кати Чепеи провела для нас экскурсию по выставке, наглядно повествующей о творческих поисках, этапах пути в искусстве Виктора Вазарели - от фигуративного до абстрактного, от плоскостного до трехмерного, не только иллюзорного, но и в скульптуре, и в керамике. Эффект от погружения в графические листы Вазарели сродни волшебству. Здесь статика формы преодолена инженерным расчетом виртуоза-художника, когда освещенные линии, «приправленные» цветом или черно-белые, заставляют само пространство переливаться, колебаться. Изображение превращается в зримое движение, будь то зебры (знаменитая «симметричная» черно-белая серия и цветные листы), гольфист, дракон, шахматы или просто концентрические окружности, овалы, многоугольники. Это сродни погружению в некий космос, «воронку», которая затягивает и взгляд смотрящего, и все его существо в бесконечную бездну превращений. Вазарели говорил, что его работы «не для сердца, а для глаза». Он не называл себя художником, хотя, конечно, им был. И сердце на его выставке тоже не статично, оно работает, подчиняясь в динамике очарованному зрению. Вазарели называл себя «раскрашивающим города», он хотел, как наш поэт, «смазать карту будня», смахнуть серость, как пыль жизни. Но не словами, а энергетикой оп-арта - оптического искусства, которое придумывал, развивал и оставил в наследство современным дизайнерам и архитекторам.
В Париже еще при жизни Вазарели (в 1981 году) появился сквер, названный именем другого венгерского титана - композитора Белы Бартока. Экспериментатор, опирающийся на этнические традиции, создатель новой музыки. Среди его сочинений немало рапсодий. Не удивительно, что творец оптических пространств так интересовался этой музыкой и так ее любил. В финале же нашей встречи, на фоне оптических иллюзий Вазарели, профессиональный музыкант Кати Чепеи… запела. Исполнила для нас акапелла народную трансильванскую песню, очень любимую Вазарели. Глубокий голос привел в экспозицию эту тихую, но полную сдерживаемых горячих эмоций песню гармоничным звучащим фрагментом. Песня растаяла под сводами галереи. А изобразительная венгерская рапсодия под названием «Оптические пространства Виктора Вазарели» до 2 августа будет «звучать» на этих музейных стенах.
Екатерина ШАКШИНА

 

Опубликовано в Статья
Среда, 24 июня 2015 06:47

Крупнейшее в мире шоу Pink Floyd

Уникальный концерт, который увидят более 1 миллиона зрителей по всему миру. Это станет удивительным путешествием по творчеству Pink Floyd спустя 5 десятилетий.
Brit Floyd - грандиозное мировое турне Pink Floyd show 2015 по Европе. Space & Time - самая зрелищная из современных сценических постановок. Впервые сенсационная программа будет показана 8 ноября в Будапеште на Спортивной арене Ласло Папп!
Pink Floyd празднует в этом году свое 50-летие. У всех на слуху замечательные песни: The Endless River, The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals, The Wall, The Division Bell.
После огромного успеха тура Discovery певец, гитарист и музыкальный директор Brit Floyd Дамиан Дарлингтон сказал: «Реакция аудитории была потрясающей. Действительно, нас везде здорово принимали. Спасибо всем, кто пришел, чтобы увидеть шоу, и теперь с нетерпением мы ждем 2015 года с новой постановкой!»
Зрители получат незабываемые впечатления от классики рока благодаря новым визуальным технологиям шоу.
29 мая с 10.00 через www.livenation.hu и www.ticketpro.hu можно будет купить билеты по самым выгодным ценам. Поэтому в связи с ожидаемым ажиотажем стоит позаботиться о покупке билетов сразу же.
www.livenation.hu
www.ticketpro.hu
www.britfloyd.com
www.facebook.com/britfloydshow

 

Опубликовано в Статья
Понедельник, 22 июня 2015 13:22

Звезды на концертах острова Маргит

11-й Летний фестиваль Будапешта предлагает высокое качество программ разнообразных жанров
Самый красочный и продолжительный музыкальный фестиваль Венгрии этим летом подготовил богатую культурную программу: около 130 отечественных и зарубежных коллективов и исполнителей выступят с июня до конца августа на летней сцене и открытых площадках Варошмайора. В том числе по случаю годовщины поэта Данте, к юбилею композитора Голдмарка и 100-летию со дня рождения Эдит Пиаф.
12 июня на Летней сцене острова Маргит состоится открытие фестиваля концертом «Лист и Данте» Национального филармонического оркестра под управлением Золтана Кочиша. 26 июня пройдет уникальное симфоническое поп-шоу с участием Edward Maya Symphonic. Также будет исполнена монументальная оперная премьера Кароя Голдмарка «Царица Савская» совместно с Венгерской государственной оперой. 10 июня к 100-летию Карла Орфа будут исполнены танцевальные постановки Catulli Carmina и Carmina Burana в исполнении Сегедского балета и Будафокского оркестра Дохнани. Vive la France! - симфонический концерт по фильму к 100-летию Эдит Пиаф, в котором примут участие французская певица Элоди Фреже, Балинт Гайер и Монака Ника Вереш. В главных партиях оперы Пуччини «Тоска» выступят Беатрис Урия-Монзон (Тоска), чилийский тенор Джанкарло Монсальве (Каварадосси). Всемирно известный коллектив, прославившийся исполнением мюзикла «Иисус Христос суперзвезда» - Венгерский танцевальный ансамбль предложит на суд зрителей спектакль «Бенёвски» по мотивам приключений Марко Поло. Для взрослых станет захватывающим цирковое театральное представление Мулен Руж Ooh La La. 20 августа ансамбль «Виртуозы» даст праздничный концерт совместно с оперной певицей Эрикой Миклоша. А 22 августа коллектив Gipsy Kings представит Chico & The Gypsies.

Дополнительная информация: www.szabadter.hu

 

Опубликовано в Статья

На фасаде выставочного зала Мючарнок - броский плакат, вызывающий ряд ассоциаций от спирали развития Вселенной до заключительной вспышки праздничного салюта. Андраш Браун - автор визитной карточки Национального салона-2015 назвал свою картину просто «Взрыв кистей».
Девиз выставки, представляющей произведения венгерских художников, созданные в этом тысячелетии, - «Здесь и сейчас».
737 мастеров заявили о своем желании принять участие в первой подобной эпопее XXI века. Увы, даже просторные залы главного выставочного комплекса страны не в состоянии вместить такую экспозицию. На выставке представлено 450 работ 209 художников.
Современное искусство принято ругать, подчеркнуто не понимать, обвинять в надуманности. Так было всегда. Во все времена, начиная с первых наскальных рисунков. Мир постоянно меняется, то резко поворачивая в неожиданном направлении, то двигаясь постепенно по принципу «все течет, все меняется». Искусство - честное зеркало настоящего момента.
Выставка в Мючарноке разделена на главы, отделы, каждый из которых купирует ряд современных представлений о состоянии нашего мироздания именно сейчас. И здесь.
В первом зале Пространство. Серии и последовательность. Сегменты времени. В центре зала скульптура Келемена Зено «Направления удара». Отстраненная и земная одновременно. Курс, которым мы следуем по непреложным законам бытия? Направление, которое мы сами выбираем? На стенах произведения художников поколения 60-х, 70-х, совсем молодых. Общее то, что они как раз предельно отличаются друг от друга. Абсолютно индивидуальны, даже те, кто следует известным стилям, как Иштван Чудаи, пишущий в традициях поп-арта.
Эстетская и удивительно красивая по музыке цвета «Кристальная архитектура» Андраша Берната, напоминающая утопию идеальных городов картина «Бесконечный круг» Тамаша Конока.
Текст, как картина. Это не ново. Ну и что?! Удовольствие получаешь от выверенной до математической точности гармонии. Золотое сечение - это ведь тоже искусство и математика. Как и стихи многих ренессансных поэтов.
Время и цвет. Ритмические цветовые построения, которым подчиняются все на свете - от реальности до ее отражения. И Балаж Стефан, Янош Немет, Илона Кешерю нам об этом снова напоминают и погружают зрителя в ментальное путешествие по бесконечным вариациям цветовой палитры.
От макрокосмоса к микрокосмосу. Образ тела и образ себя. Работы вызывают противоречивые чувства. Но самое главное - создают эмоции, не оставляющие нас равнодушными. Так же как визуальный монолог в главе «Существующий образ жизни».
Коллажи, инсталляции, живопись в Древних ландшафтах. Здесь хочется отключиться ото всех сиюминутных проблем и отдаться течению бездумного созерцания. Кажется, это и называется медитацией. На «Лодки» Чилы Бондор можно смотреть долго, забыв обо всем, просто смотреть...
Цивилизация и природа. А вот здесь звучит настойчивый, грозный призыв остановиться в безумном разрушении вверенной нам планеты. Произведения Дьёрдя Явиан, Левенте Варань, Ботонда Кути буквально кричат со стен зала, окружив жутковатую, но талантливую «Детскую площадку» Габора Фюлёпа.
И снова переход от активной социальной критики к душевному равновесию в отделе Природные ландшафты и мифы. Аттила Радос, Ласло Сотьор возвращают к природе, естественному покою.
Искусство и наука. Искусственный и природный мир.
XXI век, которому посвящена ретроспектива - время Интернета, бурно развивающихся технологий. И современные художники активно пользуются новыми средствами визуального выражения. Новое и старое. Это не просто будущее и прошлое. Тесное переплетение известного и 100, и 200 лет назад, и только что рожденного в третьем тысячелетии. Вечное переплетение эпох, где нити старого становятся прочной основой для новой ткани.
ЭФ - Иштван Замбо, хорошо известный в Венгрии, Будахази Тибор с его актуальной «Музой», трехмерное создание Агнеш Сабо, грандиозный водоворот Каталин Бенко, ностальгические «Мысли в библиотеке» Петера Пруткаи...
Нас приглашают на дружескую беседу с 209 мастерами, работающими в ритме нашего времени, с интуитивно верным, данным только настоящим художникам восприятием момента. Вечная попытка человечества познать мир, в котором мы живем.
Год назад нас пригласили в подобное путешествие венгерские зодчие. В этом году на грандиозной сцене Мючарнока представлено изобразительное искусство за прошедшие 15 лет нового тысячелетия.
Екатерина ВЕРЕШ

 

Опубликовано в Статья
Вторник, 02 июня 2015 13:14

Увлечение всей жизни

«Дети Пикассо» - выдающийся музыкальный проект сестры и брата - Гаи и Карена Арутюнян, который необыкновенным образом соединяет народную армянскую музыку с клубным фанком и роком. Выйдя на сцену с песнями на армянском языке, они покорили слушателей всей Европы. Об истории проекта и творческом пути спросила Гаю АРУТЮНЯН наша корреспондент Оксана ЛЯХОВЕЦКАЯ.


Как случилось, что Армения, Россия и Венгрия переплелись в вашей жизни?

История миграции нашей семьи началась 100 лет назад, когда дедушке и бабушке пришлось бежать со своих исконных земель на берегу озера Ван, спасаясь от страшного геноцида армян 1915 года, и поселиться на территории современной Армении. Затем, в начале 70-х, наши родители переехали в Москву, где родились и выросли мы. Окончив вузы, мы с братом в начале 2000-х совершенно спонтанно поселились в Будапеште. В нашей семье бережно хранят огромное уважение и любовь к армянской культуре и традициям.

Как вы выбрали музыкальную стезю?

Вообще-то я собиралась стать архитектором, проектировать необыкновенной формы музеи, храмы и мосты, и уже была студенткой первого курса МАРХИ, когда брат сбил меня с толку и в утвердительной, а не вопросительной форме сообщил, что я буду вокалисткой его группы. Я удивилась и спросила: «А что от меня требуется?» Он ответил: «Для начала надо сочинить песню!» Через несколько минут появилась наша первая песня на стихи любимого Бориса Пастернака, это было так легко и ясно, как будто она всегда существовала, просто мы наложили кальку и считали. Странно, но я помню этот эпизод детально - мы сидим в комнате брата, за окном красивый изгиб Москвы-реки, закатное небо, просветлевшее после ливня... Так и произошел перелом, и с архитектурного пути я свернула в музыку.
А вот Карен всегда был очень музыкальным. Еще когда он был совсем крохой, в его детский сад пришли редакторы с телевидения в поисках поющих детей для кукольной постановки в знаменитую передачу «Спокойной ночи, малыши». Искали деток на роли разных зверушек и выбрали моего брата, который в возрасте 5 лет спел в этом спектакле за всех зайчат, медвежат и волчат. Теперь же во время работы на студии он играет за всех басистов, духовиков, гитаристов и вокалистов. Так что мультиинструменталистами не становятся, а рождаются!

Где вы учились вокалу?

С самого начала мне говорили, что учиться вокалу не обязательно, и даже опасно, что можно потерять свое лицо и специфику, поэтому 2 года я пела, как Бог на душу положит. Но потом поняла, что я хочу больше, чем технически могу, и пошла учиться академическому вокалу. С педагогом мне крупно повезло. Это был высокого уровня профессионал, преподающий в Академии им. Гнесиных. Я занималась с огромным удовольствием, овладела разными приемами и поняла, что знание техники дает полную свободу творчества. Кроме того, нас учила мама, у которой было роскошное меццо-сопрано, и вообще, в нашей семье по маминой линии пели все и постоянно, поэтому музыка всегда была главной составляющей нашей жизни. Я уже не говорю о 7 мучительных годах в музыкальной школе, где мы с братом учились по классу фортепиано. Мягко говоря, мы не любили это дело. Больше всего раздражало сольфеджио, когда нас пытались убедить в том, что гармонии можно и нужно просчитывать, а нам хотелось их искать, находить, терять и каждый раз открывать, как что-то новое.

Как вы пришли к этническому стилю?

Когда слышишь армянские народные песни с самого детства, то трудно абстрагироваться и не воспринимать неземную красоту этих мелодий и ритмов, поэтому мы достаточно долго увлекались авант и рок-музыкой, экспериментировали с электроникой, духовыми и струнными квартетами, писали песни на стихи поэтов Серебряного века первой волны эмиграции. А потом на одном из концертов я просто акапелла исполнила армянскую народную песню, и зал это ошеломило... они сидели несколько минут в тишине, даже не хлопая. Тогда и начались наши эксперименты с фольклором, именно их и заметили европейские промоутеры. Скажу без ложной скромности, публика в странах ЕС от Италии до Норвегии принимала нас очень тепло, и это был стремительный взлет.

У «Детей Пикассо» был перерыв, и вы создали группу Wattican Punk Ballet. Расскажите об этом подробнее.

По нескольким причинам музыканты группы «Дети Пикассо» оказались раскиданы по трем разным странам, поэтому нам пришлось приостановить деятельность. Было очевидно, что замена уместной не будет. Нам не хотелось играть с сессионными музыкантами, а собирать своих каждый раз на концерты и гастроли было нелегко, поэтому мы приостановили на время деятельность любимой группы и создали с братом дуэт Wattican Punk Ballet. Мы поставили перед собой серьезную задачу - звучать вдвоем как большая рок-группа. Для этого нам было необходимо задействовать два инструмента - мелодический и ритмический. Брат отвечал за гитару и клавишные, а я начала осваивать барабанную установку, электронику и писала песни на английском языке. Достаточно быстро сформировалась программа, и начался наш новый этап с огромным количеством концертов, туров и съемок. Страшно вспомнить, во скольких городах Европы мы гастролировали... Так прошло 4 года. А потом нам стало недоставать наших этнических экспериментов, нашей «армянскости», которая не была ярко выражена в этом проекте. Вопрос самоидентификации решался через музыку. В мультикультурном обществе совсем не хотелось теряться, душа просила самоутверждения через корни. Словом, мы начали подумывать о возрождении группы «Дети Пикассо», которой отдали 10 лет жизни. К этому моменту у нас появились удивительно близкие по духу и высокопрофессиональные музыканты Настя Разваляева (арфа) и Арон Портелеки (ударные), вошедшие в новый состав как влитые! Мы очень удивились, когда узнали, что оба этих музыканта из больших музыкальных династий. Приблизительно тогда же мы с братом нашли наш семейный архив, записи, на которых сохранились песни и голоса наших тетушек, бабушек, двоюродных сестер и мамы. Так все совпало...

Кто ваша публика?

Возраст точно не могу сказать. Самым старшим, кого я знаю лично, под 60, а самым маленьким 5-6 лет. Общий портрет я бы нарисовала такой - это тонкокожие, тянущиеся к красивым и непростым формам, начитанные, насмотренные, наслушанные, открытые к новому, но уважающие старое.

С публикой какой страны вы ощутили наиболее тесный контакт?

Это хороший вопрос. Раньше думала, чем больше хлопают, тем больше нравится. Чушь! Иногда тишина значит гораздо больше. Помню первую встречу с французской публикой: такие снобы, минимум реакций, зал полный флегматичных людей, с которыми невозможно выйти на контакт, а в итоге после концерта скупили все диски подчистую, пришлось дозаказывать из Москвы для следующих остановок тура. Поляки славятся прекрасным музыкальным вкусом и любовью к экспериментам. Англичане самые избалованные, хотя не высокомерные и принимают тепло. Скандинавы детально разбираются в музыке, у них сильнейшее музыкальное образование в школах, поэтому, когда мы играли в Норвегии, было впечатление, что зал наполнен профессионалами, и это было здорово. В Германии публика горячая, там много иммигрантов, играть для них очень легко, а для швейцарцев трудно - это закрытое общество, как нам показалось.

Много ли русскоговорящих иммигрантов среди ваших поклонников?

Мало! Пользуясь случаем, приглашаем дорогих наших соотечественников на наши концерты, приходите! А вообще, многие думают, что если российская группа имеет успех за границей (а таких групп мало), то на них ходят русские, живущие в этих странах. Это не совсем так. Есть, конечно, исключения, такие как район Брайтон бич в Америке или Дюссельдорф в Германии, но основное правило таково: если зал на концерте полон, то это на 95% местные жители и никто иной. Хотя мы очень радуемся, когда встречаем русских, армян, грузин, молдаван в европейских городах во время туров, но это бывает не часто, к сожалению. Зато когда видишь венгров, подпевающих на концертах твои песни на староармянском, это дорогого стоит!

Каковы ваши дальнейшие планы?

Выпустить новый альбом - седьмой по счету в нашей дискографии на одном из крупнейших лэйблов в России и Европе. Поехать в тур по России и Армении, а потом в большой европейский тур. Подписать контракт с букинг лэйблом, а еще на досуге мы бы записывали на собственной студии музыку для прекрасных талантливых фильмов.

Чего бы вы хотели достичь?

Не помню, кто сказал: «Чтобы подкова принесла удачу - нужно вкалывать, как лошадь!»
Нам бы хотелось в жесточайших условиях, в которые поставлен сегодня независимый музыкант, добиться такого уровня востребованности, который позволит нам без беспокойства за завтрашний день, с полной отдачей и скрупулезностью профессионалов заниматься делом всей нашей жизни!

Оксана ЛЯХОВЕЦКАЯ

Опубликовано в Статья
Страница 1 из 2

ПЕЧАТНЫЕ ИЗДАНИЯ

ГАЗЕТА ПУТЕВОДИТЕЛЬ
Путеводитель по Венгрии с картой
Архив Архив

РЕКЛАМА

РК НА FACEBOOK